יצירתיות במוסדות לחינוך מוזיקלי

יצירתיות בחינוך מוסיקלי ומכללות למוזיקה

יש שפע של שכר לימוד בסגנון "העתק אותי", דוגמנות בחוץ. YouTube הוא הדוגמה הבולטת לסרטונים של הדגמות שאנשים מחקים. צעירים, במיוחד, אוהבים לחקות ולהעתיק את אנשי היוטיוב האהובים עליהם, וכמובן, הם ניתנים להשפעה (הרבה תוכניות שירה בטלוויזיה מקדמות זמרים "נשמעים כמו" הזמר המקורי). במובנים רבים, חיקוי הוא האפשרות "הקלה" וכוללת את השאלה:

• "הבנתי נכון?".

מורים טובים למוזיקה קוראים תיגר על זה ושואפים למקסם את האינדיבידואליות של כל תלמיד. המטרה היא שכל אדם יהפוך לאמן בפני עצמו. השאלות כעת הן:

• "האם תפסתי את הפרשנות שלי לדמות?",

• "האם שמתי את הסיבוב שלי על זה?",

• "האם אתה יכול לדעת שעשיתי פרשנויות אמנותיות משלי באופן שבו אני מנגן את זה?".

אסטרטגיות ליצירתיות למוזיקה בבתי ספר

בואו נסתכל על מודל ללמידה שעובד ליחידים הן בשיעורים 1-1 והן בכיתות, לתלמידים מתחילים ומתקדמים (כולל דיפלומות מתקדמים):

(1) אמן את האוזן תחילה, הליבה אל הקשבה והפנמה.  If we hear and imagine sounds in our heads then we become quality musicians.  Some musicians read and perform very well without ‘hearing’ first and they tend to lack that final finesse.  Other musicians only play by ear and memory and find reading a challenge; frequently they have more flair if their memories and technique are firmly established.  There are many ways to do this.  I prefer solfège and activities such as singing chord roots, singing other chord notes, singing one part while playing another, playing specific notes and ‘inner hearing’ others and so on.  Training the ‘inner ear’ enhances aural imagination.  שירה מתחבר עם משחק יפה ומשפר את האופן שבו ביצועים טבעיים על כלים נשמעים.

(2)  Take key concepts, phrases, chord progressions, techniques, scales etc and improvise upon them.  Why?  Because playing fluently involves mastery and in-depth understanding of the elements within a piece.  Individual stylisation goes beyond mastery and requires creativity and imagination.  יצירה ופיתוח צריך להיות מכריע לכל יצירת מוזיקה משמעותית.

(3) עודד פרשנות. יש כל כך הרבה דרכים לעשות זאת עבור כל כך הרבה סגנונות שונים. רק השבוע השתמשתי בגרסה פשוטה של ​​קלייר דה לון עם נער וחיפשנו תרגום של כל המילים ביחד (שווה לעשות - די הופתעתי, יש לזה משמעות גדולה של "מוסר הסיפור" ) וזה שינה במהירות את הדרך שבה היא לחצה על מקשי הפסנתר ואת האופן שבו עיצבה את המשפטים. אתגרתי זמר ברמה בינלאומית לבצע את אותו שיר עבור 3 אירועים שונים: הלוויה, מסיבה ואירוע צדקה. זה היה באמת מעניין לדון כיצד היא תעשה הבדלים קוליים ופרשניים עבור 3 ההזדמנויות הללו. היכן יקשטו זמרי פופ בסולם הפנטטוני ואיפה ישתמשו בתו בלוז? היכן הם ייצרו דיסוננס עם ההרמוניה ועד כמה היא תהיה אינטנסיבית? מהו הסאבטקסט מאחורי הטקסט, ה"כוונה" מנקודת מבטה של ​​הדמות? אתם עכשיו שניהם ביצוע ותקשורת.

(4) הוליסטי - ככל שתבחרו יותר סגנונות וגישות פרשניות, כך אתם יותר בשניהם משמיעה ושולטת היטב בצלילים.

מסלולי כישרונות, עם רכזות מוזיקה בראש

המסגרת הנכונה ללמידה, שהוקמה בשיעורים המוקדמים ביותר, מעמידה את כל הלומדים להתקדמות לרמה הגבוהה ביותר, עם חשיבה 'מוסיקלית' ולא מכנית וטכנית גרידא.

קורסי המוזיקה המקוונת של מאסטרו

Dr Robin Harrison FRSA created The Maestro Online courses and Celebrity Masterclasses online which meet all of these targets and more.  The Maestro Online collaborates with music hubs, music colleges, music in schools, music in universities and international level celebrity musicians.’ The digital courses are suitable for individuals, universities, colleges, schools, 1-1 lessons, as a supplement to 1-1 lessons, adaptable for class environments and much more.  The Maestro Online seeks to collaborate with institutions to create courses according to their specific needs, to further enhance the musicianship of their students.  Piano courses, organ courses, aural lessons and singing courses all have a holistic musicianship approach through all levels.