La creatività nelle istituzioni di educazione musicale

Creatività nell'educazione musicale e nelle università musicali

C'è un sacco di lezioni di stile "copiami" là fuori. Youtube è il primo esempio con video di manifestazioni che le persone imitano. I giovani, in particolare, amano imitare e copiare i loro personaggi preferiti di YouTube e, ovviamente, sono impressionabili (molti programmi televisivi di canto promuovono cantanti che "suonano come" il cantante originale). In molti modi, imitare è l’opzione “facile” e implica la domanda:

• “Ho capito bene?”.

I buoni insegnanti di musica mettono alla prova questo e mirano a massimizzare l’individualità di ogni studente. L’obiettivo è che ogni persona diventi un artista a pieno titolo. Le domande ora sono:

• "Ho catturato la mia interpretazione del personaggio?",

• "Ci ho messo la mia interpretazione?",

• "Si può dire che ho fatto delle mie personali interpretazioni artistiche nel modo in cui lo suono?".

Strategie per la creatività per la musica nelle scuole

Diamo un'occhiata a un modello di apprendimento che funziona per gli individui sia in lezioni individuali che in aula, per principianti e studenti avanzati (compresi i diplomi avanzati):

(1) Allena prima l'orecchio, il core Ascolto e interiorizzazione.  If we hear and imagine sounds in our heads then we become quality musicians.  Some musicians read and perform very well without ‘hearing’ first and they tend to lack that final finesse.  Other musicians only play by ear and memory and find reading a challenge; frequently they have more flair if their memories and technique are firmly established.  There are many ways to do this.  I prefer solfège and activities such as singing chord roots, singing other chord notes, singing one part while playing another, playing specific notes and ‘inner hearing’ others and so on.  Training the ‘inner ear’ enhances aural imagination.  Cantare si lega con gioco bello e migliora il suono delle esecuzioni naturali degli strumenti.

(2)  Take key concepts, phrases, chord progressions, techniques, scales etc and improvise upon them.  Why?  Because playing fluently involves mastery and in-depth understanding of the elements within a piece.  Individual stylisation goes beyond mastery and requires creativity and imagination.  Creare e sviluppare dovrebbe essere fondamentale per tutta la produzione musicale significativa.

(3) Incoraggiare l'interpretazione. Ci sono tanti modi per farlo per tanti stili diversi. Solo questa settimana stavo usando una versione semplice di Claire de Lune con un adolescente e abbiamo cercato insieme una traduzione di tutti i testi (vale la pena farlo – sono rimasto piuttosto sorpreso, ha una grande implicazione sulla "morale della storia"). ) e questo ha rapidamente alterato il modo in cui premeva i tasti del piano e il modo in cui modellava le frasi. Ho sfidato un cantante di livello internazionale ad eseguire la stessa canzone per 3 eventi diversi: funerale, festa ed evento di beneficenza. È stato davvero interessante discutere su come avrebbe apportato differenze vocali e interpretative in queste 3 occasioni. Dove i cantanti pop abbellirebbero la scala pentatonica e dove userebbero una nota blues? Dove creerebbero dissonanza con l'armonia e quanto sarebbe intensa? Qual è il sottotesto dietro il testo, l'“intenzione” dal punto di vista del personaggio? Ora sei entrambi Esibirsi e Comunicare.

(4) Olistico: più stili e approcci interpretativi scegli, più sei entrambi creare e controllare molto finemente i suoni.

Percorsi dei talenti, pensando ai Music Hub

La giusta struttura per l'apprendimento, stabilita fin dalle prime lezioni, prepara tutti gli studenti a progredire al livello più alto, con una mentalità "musicale" piuttosto che puramente meccanica e tecnica.

I Corsi di Musica Online del Maestro

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