Criatividade em Instituições de Ensino Musical

Criatividade na educação musical e nas faculdades de música

Há uma grande variedade de aulas de estilo de modelagem “copie-me” por aí. O Youtube é o principal exemplo com vídeos de manifestações que as pessoas imitam. Os jovens, em particular, adoram imitar e copiar as suas pessoas favoritas do YouTube e, claro, são impressionáveis ​​(muitos programas de canto na TV promovem cantores que “soam como” o cantor original). Em muitos aspectos, imitar é a opção “fácil” e envolve a questão:

• “Acertei?”.

Bons professores de música desafiam isso e visam maximizar a individualidade de cada aluno. O objetivo é que cada pessoa se torne um artista por direito próprio. As perguntas agora são:

• “Captei minha interpretação do personagem?”,

• “Eu coloquei meu próprio toque nisso?”,

• “Você percebe que fiz minhas próprias interpretações artísticas na maneira como toco?”.

Estratégias de criatividade para música nas escolas

Vejamos um modelo de aprendizagem que funciona para indivíduos tanto em aulas individuais quanto em salas de aula, para alunos iniciantes e avançados (incluindo diplomas avançados):

(1) Treine primeiro o ouvido, do núcleo para Ouvir e internalizar.  If we hear and imagine sounds in our heads then we become quality musicians.  Some musicians read and perform very well without ‘hearing’ first and they tend to lack that final finesse.  Other musicians only play by ear and memory and find reading a challenge; frequently they have more flair if their memories and technique are firmly established.  There are many ways to do this.  I prefer solfège and activities such as singing chord roots, singing other chord notes, singing one part while playing another, playing specific notes and ‘inner hearing’ others and so on.  Training the ‘inner ear’ enhances aural imagination.  Cantando se liga com jogar bonito e aprimora o som natural das performances dos instrumentos.

(2)  Take key concepts, phrases, chord progressions, techniques, scales etc and improvise upon them.  Why?  Because playing fluently involves mastery and in-depth understanding of the elements within a piece.  Individual stylisation goes beyond mastery and requires creativity and imagination.  Criando e Desenvolvendo deve ser fundamental para toda produção musical significativa.

(3) Incentive a interpretação. Existem tantas maneiras de fazer isso para tantos estilos diferentes. Ainda esta semana, eu estava usando uma versão simples de Claire de Lune com uma adolescente e procuramos juntos uma tradução de todas as letras (vale a pena fazer – fiquei bastante surpreso, tem uma grande implicação na “moral da história” ) e isso alterou rapidamente a maneira como ela pressionava as teclas do piano e como moldava as frases. Desafiei um cantor de nível internacional a cantar a mesma música em 3 eventos diferentes: funeral, festa e evento beneficente. Foi muito interessante discutir como ela faria diferenças vocais e interpretativas nessas três ocasiões. Onde os cantores pop embelezariam a escala pentatônica e onde usariam uma nota de blues? Onde criariam dissonância com a harmonia e quão intensa seria? Qual é o subtexto por trás do texto, a “intenção” do ponto de vista do personagem? Você agora é os dois Executando e comunicando.

(4) Holístico – quanto mais estilos e abordagens interpretativas você escolher, mais ambos serão fazendo e controlando sons com muita precisão.

Talent Pathways, com Music Hubs em mente

A estrutura certa para a aprendizagem, estabelecida nas primeiras aulas, prepara todos os alunos para a progressão até ao nível mais elevado, com uma mentalidade “musical” em vez de puramente mecânica e técnica.

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