Ganzheitlicher kreativer Unterricht und moderne Bildungstrends für Musikzentren
Jede Schule oder jeder Musiklehrer muss eine umfassende, ganzheitliche Strategie verfolgen, um das „ganze Individuum“ zu entwickeln. Dies gilt für sich entwickelnde Musiker aller Altersgruppen und Stadien, und ein ganzheitlicher Ansatz steht im Mittelpunkt von NPME (dem britischen „National Plan for Music Education“), wobei das Wort „kreativ“ ein besonders prominentes „neues“ Wort ist.
Ganzheitlicher kreativer Unterricht und moderne Bildungstrends für Musikzentren
Jede Schule oder jeder Musiklehrer muss eine umfassende, ganzheitliche Strategie verfolgen, um das „ganze Individuum“ zu entwickeln. Dies gilt für sich entwickelnde Musiker aller Altersgruppen und Stadien, und ein ganzheitlicher Ansatz steht im Mittelpunkt von NPME (dem britischen „National Plan for Music Education“), wobei das Wort „kreativ“ ein besonders prominentes „neues“ Wort ist.
Kreativität in der Musikpädagogik und an Musikhochschulen
Es gibt eine Fülle von „Copy Me“-Tutorials im Modelstil. Youtube ist das Paradebeispiel für Videos von Demonstrationen, die von Menschen nachgeahmt werden. Vor allem junge Menschen lieben es, ihre Lieblings-YouTube-Menschen nachzuahmen und zu kopieren, und natürlich sind sie beeinflussbar (viele Gesangssendungen im Fernsehen fördern Sänger, die „wie der Originalsänger klingen“). Nachahmung ist in vielerlei Hinsicht die „einfache“ Option und beinhaltet die Frage:
"Habe ich es richtig gesagt?".
Gute Musiklehrer stellen sich dieser Herausforderung und streben danach, die Individualität jedes Schülers zu maximieren. Ziel ist es, dass jeder Mensch ein eigenständiger Künstler wird. Die Fragen lauten nun:
„Habe ich meine Interpretation der Figur eingefangen?“,
„Habe ich meine eigene Meinung dazu gegeben?“,
„Können Sie an der Art und Weise, wie ich es spiele, erkennen, dass ich meine eigenen künstlerischen Interpretationen vorgenommen habe?“
Kreativitätsstrategien für Musik in der Schule
Schauen wir uns ein Lernmodell an, das für Einzelpersonen sowohl im Einzelunterricht als auch im Klassenzimmer, für Anfänger und Fortgeschrittene (einschließlich fortgeschrittener Diplomstudenten) funktioniert:
(1) Trainieren Sie zuerst das Ohr, dann den Kern Zuhören und verinnerlichen. Wenn wir Geräusche in unserem Kopf hören und uns vorstellen, werden wir zu erstklassigen Musikern. Manche Musiker lesen und spielen sehr gut, ohne vorher zu „hören“, und ihnen fehlt oft die letzte Finesse. Andere Musiker spielen nur nach Gehör und Gedächtnis und empfinden das Lesen als Herausforderung; Oft haben sie mehr Gespür, wenn ihr Gedächtnis und ihre Technik fest verankert sind. Es gibt viele Möglichkeiten, dies zu tun. Ich bevorzuge Solfège und Aktivitäten wie das Singen von Akkordgrundtönen, das Singen anderer Akkordnoten, das Singen einer Stimme, während man eine andere spielt, das Spielen bestimmter Noten und das „innere Hören“ anderer und so weiter. Das Training des „Innenohrs“ fördert die akustische Vorstellungskraft. Gesangstalente knüpft an spielend ist wunderschön und verstärkt den natürlichen Klang der Darbietungen auf Instrumenten.
(2) Nehmen Sie Schlüsselkonzepte, Phrasen, Akkordfolgen, Techniken, Tonleitern usw. und improvisieren Sie darüber. Warum? Denn flüssiges Spielen setzt die Beherrschung und das tiefgreifende Verständnis der Elemente eines Stückes voraus. Individuelle Stilisierung geht über Meisterschaft hinaus und erfordert Kreativität und Vorstellungskraft. Erstellen und Entwickeln sollte für jedes sinnvolle Musizieren von zentraler Bedeutung sein.
(3) Ermutigen Sie zur Interpretation. Es gibt so viele Möglichkeiten, dies für so viele verschiedene Stile zu tun. Erst diese Woche habe ich mit einem Teenager eine einfache Version von Claire de Lune verwendet und wir haben gemeinsam eine Übersetzung aller Texte nachgeschlagen (es lohnt sich, das zu tun – ich war ziemlich überrascht, es hat eine großartige Implikation für die „Moral der Geschichte“) ) und dies veränderte schnell die Art und Weise, wie sie die Klaviertasten drückte und wie sie die Phrasen formte. Ich habe einen Sänger von internationalem Niveau herausgefordert, das gleiche Lied für drei verschiedene Veranstaltungen vorzutragen: Beerdigung, Party und Wohltätigkeitsveranstaltung. Es war wirklich interessant zu diskutieren, wie sie bei diesen drei Gelegenheiten stimmliche und interpretatorische Unterschiede herbeiführen würde. Wo würden Popsänger mit der Pentatonik ausschmücken und wo würden sie eine Bluesnote verwenden? Wo würden sie Dissonanzen mit der Harmonie erzeugen und wie intensiv wäre diese? Was ist der Subtext hinter dem Text, die „Intention“ aus Sicht der Figur? Ihr seid jetzt beides Aufführen und kommunizieren.
(4) Ganzheitlich – je mehr Stile und Interpretationsansätze Sie wählen, desto mehr sind Sie beides Geräusche erzeugen und sehr fein steuern.
Talent Pathways mit Blick auf Music Hubs
Der richtige Lernrahmen, der in den ersten Unterrichtsstunden festgelegt wird, bereitet alle Lernenden auf den Aufstieg zum höchsten Niveau vor, und zwar mit einer „musikalischen“ Denkweise und nicht rein mechanisch und technisch.
Die Maestro Online-Musikkurse
Dr. Robin Harrison FRSA hat die Maestro Online-Kurse und Celebrity Masterclasses online entwickelt, die all diese Ziele und noch mehr erfüllen. „The Maestro Online arbeitet mit Musikzentren, Musikhochschulen, Musik an Schulen, Musik an Universitäten und prominenten Musikern auf internationalem Niveau zusammen.“ Die digitalen Kurse eignen sich für Einzelpersonen, Universitäten, Hochschulen, Schulen, Einzelunterricht, als Ergänzung zum Einzelunterricht, anpassbar an Unterrichtsumgebungen und vieles mehr. Maestro Online ist bestrebt, mit Institutionen zusammenzuarbeiten, um Kurse zu erstellen, die auf deren spezifische Bedürfnisse zugeschnitten sind, um die musikalischen Fähigkeiten ihrer Studenten weiter zu verbessern. Klavierkurse, Orgelkurse, Gehörunterricht und Gesangskurse verfolgen alle einen ganzheitlichen Musikansatz auf allen Niveaus.
