La creatividad en las instituciones de educación musical

Creatividad en la educación musical y las facultades de música

Hay una gran cantidad de clases de estilo de modelaje “cópiame” por ahí. Youtube es el mejor ejemplo con vídeos de manifestaciones que la gente imita. A los jóvenes, en particular, les encanta imitar y copiar a sus usuarios favoritos de YouTube y, por supuesto, son impresionables (muchos programas de canto en televisión promueven cantantes que “suenan como” el cantante original). En muchos sentidos, imitar es la opción “fácil” e implica la siguiente pregunta:

• "¿Lo entendí bien?".

Los buenos profesores de música desafían esto y apuntan a maximizar la individualidad de cada estudiante. El objetivo es que cada persona se convierta en un artista por derecho propio. Las preguntas ahora son:

• “¿Capté mi interpretación del personaje?”,

• “¿Le di mi propio toque?”,

• “¿Puedes decir que he hecho mis propias interpretaciones artísticas en la forma en que lo toco?”.

Estrategias de creatividad para la música en las escuelas

Veamos un modelo de aprendizaje que funciona para individuos tanto en lecciones individuales como en aulas, para principiantes y estudiantes avanzados (incluidos los diplomas avanzados):

(1) Entrene el oído primero, el núcleo hacia Escuchar e internalizar.  If we hear and imagine sounds in our heads then we become quality musicians.  Some musicians read and perform very well without ‘hearing’ first and they tend to lack that final finesse.  Other musicians only play by ear and memory and find reading a challenge; frequently they have more flair if their memories and technique are firmly established.  There are many ways to do this.  I prefer solfège and activities such as singing chord roots, singing other chord notes, singing one part while playing another, playing specific notes and ‘inner hearing’ others and so on.  Training the ‘inner ear’ enhances aural imagination.  Cantar se relaciona con jugando hermoso y realza el sonido natural de las interpretaciones de los instrumentos.

(2)  Take key concepts, phrases, chord progressions, techniques, scales etc and improvise upon them.  Why?  Because playing fluently involves mastery and in-depth understanding of the elements within a piece.  Individual stylisation goes beyond mastery and requires creativity and imagination.  Creando y desarrollando debería ser fundamental para toda creación musical significativa.

(3) Fomentar la interpretación. Hay tantas maneras de hacer esto para tantos estilos diferentes. Esta misma semana estaba usando una versión simple de Claire de Lune con un adolescente y buscamos juntos una traducción de todas las letras (vale la pena hacerlo; me sorprendió bastante, tiene una gran implicación de “moraleja de la historia”). ) y esto alteró rápidamente la forma en que presionaba las teclas del piano y cómo daba forma a las frases. Reté a un cantante de nivel internacional a interpretar la misma canción en 3 eventos diferentes: funeral, fiesta y evento benéfico. Fue realmente interesante discutir cómo ella haría diferencias vocales e interpretativas en estas 3 ocasiones. ¿Dónde adornarían los cantantes pop con la escala pentatónica y dónde usarían una nota de blues? ¿Dónde crearían disonancia con la armonía y qué intensidad sería? ¿Cuál es el subtexto detrás del texto, la “intención” desde el punto de vista del personaje? ahora son ambos Actuar y comunicar.

(4) Holístico: cuantos más estilos y enfoques interpretativos elijas, más serán ambos. hacer y controlar sonidos muy finamente.

Talent Pathways, pensando en los Music Hubs

El marco adecuado para el aprendizaje, establecido desde las primeras lecciones, prepara a todos los alumnos para progresar hasta el nivel más alto, con una mentalidad "musical" en lugar de puramente mecánica y técnica.

Los cursos de música en línea del Maestro

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